Статья Линды Нохлин и её влияние на женское движение #insideart
В 1971 году искусствовед Линда Нохлин опубликовала эссе «Почему не было великих художниц?»
В нём она проанализировала социальные и экономические факторы, мешавшие женщинам получить один статус с мужчинами. Эссе вызвала бурную реакцию у художниц. На тот момент арт-феминизм уже существовал, однако благодаря Нохлин произошёл новый виток развития движения: художницы продолжили борьбу за равенство полов и исследование вопроса о том, как женщина приспосабливается к социальным ожиданиям.
Стремясь покончить с сексизмом и угнетением, художницы-феминистки прибегали к разнообразным материалам и техникам, включая живопись, перформанс и такие ремесла, как вышивка и аппликация, которые традиционно в уничижительном ключе назывались «женскими».
В 1971 году искусствовед Линда Нохлин опубликовала эссе «Почему не было великих художниц?»
В нём она проанализировала социальные и экономические факторы, мешавшие женщинам получить один статус с мужчинами. Эссе вызвала бурную реакцию у художниц. На тот момент арт-феминизм уже существовал, однако благодаря Нохлин произошёл новый виток развития движения: художницы продолжили борьбу за равенство полов и исследование вопроса о том, как женщина приспосабливается к социальным ожиданиям.
Стремясь покончить с сексизмом и угнетением, художницы-феминистки прибегали к разнообразным материалам и техникам, включая живопись, перформанс и такие ремесла, как вышивка и аппликация, которые традиционно в уничижительном ключе назывались «женскими».
Роль буддизма в творчестве Йоко Оно #insideart
Работа «Отрежь кусок» (1964) предполагала активное участие зрителя в перформансе: люди могли отрезать ножницами любую часть одежды Йоко. Японская художница добровольно отдавала тело в символическую жертву посетителям, которые постепенно уничтожали её лучшие вещи.
В основе перформанса лежит история о жертвенности Будды, который был готов отдать последнее нуждающемуся.
Работа «Отрежь кусок» (1964) предполагала активное участие зрителя в перформансе: люди могли отрезать ножницами любую часть одежды Йоко. Японская художница добровольно отдавала тело в символическую жертву посетителям, которые постепенно уничтожали её лучшие вещи.
В основе перформанса лежит история о жертвенности Будды, который был готов отдать последнее нуждающемуся.
Пойти на риск ради искусства #insideart
Белградская художница Марина Абрамович часто устраивает экспериментальные перформансы — иногда опасные для жизни. В работе «Ритм 0» (Rhythm 0) перед посетителями неаполитанской галереи разложили 72 предмета: от фруктов до ножей. Люди могли использовать их по своему усмотрению.
Яблоко или виноград не угрожали жизни художницы, но бритвенные лезвия, которыми срезали одежду с тела, представляли опасность. Под конец перформанса посетитель даже приставил заряженный пистолет к голове Абрамович.
Белградская художница Марина Абрамович часто устраивает экспериментальные перформансы — иногда опасные для жизни. В работе «Ритм 0» (Rhythm 0) перед посетителями неаполитанской галереи разложили 72 предмета: от фруктов до ножей. Люди могли использовать их по своему усмотрению.
Яблоко или виноград не угрожали жизни художницы, но бритвенные лезвия, которыми срезали одежду с тела, представляли опасность. Под конец перформанса посетитель даже приставил заряженный пистолет к голове Абрамович.
История одной работы: «Врата ада», открывающие глубины человеческой души #insideart
Огюст Роден начал работу над «Вратами ада» в 1881 году, завершив лишь в 1917 году. В основе композиции — сюжет Божественной комедии Данте и образ «Врат Рая» — скульптуры, созданной в XV веке Лоренцо Гиберти.
Работа, выполненная из мрамора и меди, достигает пяти метров в высоту и вмещает в себя 186 фигур. Многие из них впоследствии стали самостоятельными произведениями из бронзы, как, например, «Мыслитель».
После смерти скульптора несколько копий «Врат» были отлиты по незаконченному гипсовому оригиналу. Сейчас они хранятся в Токио, Сеуле, Мехико, Цюрихе, а гипсовые слепки художника находятся в Париже в музее Орсе.
ART FLASH
Огюст Роден начал работу над «Вратами ада» в 1881 году, завершив лишь в 1917 году. В основе композиции — сюжет Божественной комедии Данте и образ «Врат Рая» — скульптуры, созданной в XV веке Лоренцо Гиберти.
Работа, выполненная из мрамора и меди, достигает пяти метров в высоту и вмещает в себя 186 фигур. Многие из них впоследствии стали самостоятельными произведениями из бронзы, как, например, «Мыслитель».
После смерти скульптора несколько копий «Врат» были отлиты по незаконченному гипсовому оригиналу. Сейчас они хранятся в Токио, Сеуле, Мехико, Цюрихе, а гипсовые слепки художника находятся в Париже в музее Орсе.
ART FLASH
История одной работы: Le chavalier aux fleurs и приближающееся тепло лета #insideart #live
Главный герой картины «Цветочный рыцарь» французского импрессиониста Жоржа Рошгросса — рыцарь короля Артура Парсифаль. Он направляется к замку злого волшебника Клингзора с намерением уничтожить его и завоевать Святой Грааль. Перед Парсифалем раскрывается волшебный сад, наполненный девами-цветами, которые пытаются очаровать рыцаря.
Рошгросс изобразил героя так, что зритель сразу видит: Парсифаль не принадлежит этому саду. Рыцарь стоит прямо, его взгляд устремлен вдаль, он видит лишь свою цель и не обращает внимания на цветочниц. Картина символизирует победу духа над плотью, стойкость героя и верность долгу.
На создание этой работы в 1894 году Жоржа Рошгросса вдохновила опера Рихарда Вагнера «Парсифаль» — адаптация одноимённой средневековой поэма Вольфрама фон Эшенбаха.
Поражает, как художник изобразил доспехи рыцаря: они стали своеобразным зеркалом, в котором Рошгросс играет с отражениями цветов и металлическим сиянием. В живописи Рошгросса переплелись два разных элемента: интерес к античной и восточной тематике, характерный для академического стиля, и современные достижения импрессионизма.
ART FLASH
Главный герой картины «Цветочный рыцарь» французского импрессиониста Жоржа Рошгросса — рыцарь короля Артура Парсифаль. Он направляется к замку злого волшебника Клингзора с намерением уничтожить его и завоевать Святой Грааль. Перед Парсифалем раскрывается волшебный сад, наполненный девами-цветами, которые пытаются очаровать рыцаря.
Рошгросс изобразил героя так, что зритель сразу видит: Парсифаль не принадлежит этому саду. Рыцарь стоит прямо, его взгляд устремлен вдаль, он видит лишь свою цель и не обращает внимания на цветочниц. Картина символизирует победу духа над плотью, стойкость героя и верность долгу.
На создание этой работы в 1894 году Жоржа Рошгросса вдохновила опера Рихарда Вагнера «Парсифаль» — адаптация одноимённой средневековой поэма Вольфрама фон Эшенбаха.
Поражает, как художник изобразил доспехи рыцаря: они стали своеобразным зеркалом, в котором Рошгросс играет с отражениями цветов и металлическим сиянием. В живописи Рошгросса переплелись два разных элемента: интерес к античной и восточной тематике, характерный для академического стиля, и современные достижения импрессионизма.
ART FLASH
Цербер и черепа на проходе: выставка фонда Cartier #insideart
Фонд современного искусства Cartier организовал третью сольную выставку австралийского художника Рона Мьюка, известного своими гиперреалистичными работами.
Монументальная инсталляция «Mass», выполненная из сотни гигантских черепов, становится центральным элементом экспозиции. Название скульптуры имеет несколько значений: от беспорядочной кучи до формальной религиозной церемонии, что позволяет зрителям по-разному интерпретировать и осмыслять работу. К началу каждой выставки художник перекладывает черепа в новом порядке, чтобы подарить зрителями ни с чем не сравнимый физический (между черепами можно гулять) и психологический опыт, который заставляет задуматься о фундаментальных аспектах человеческого бытия.
«Mass» знаменует поворотный момент в карьере Мьюека. Художник отходит от практики детального воспроизведения и концентрируется на формах. Новый подход расширяет тематику творчества и позволяет исследовать образы в напряжении и динамике. Одним из первых экспериментов в новом стиле становится инсталляция «En Garde», состоящая из группы разъяренных собак. Скульптура символизирует неопределенность настоящего и будущего.
ART FLASH
Фонд современного искусства Cartier организовал третью сольную выставку австралийского художника Рона Мьюка, известного своими гиперреалистичными работами.
Монументальная инсталляция «Mass», выполненная из сотни гигантских черепов, становится центральным элементом экспозиции. Название скульптуры имеет несколько значений: от беспорядочной кучи до формальной религиозной церемонии, что позволяет зрителям по-разному интерпретировать и осмыслять работу. К началу каждой выставки художник перекладывает черепа в новом порядке, чтобы подарить зрителями ни с чем не сравнимый физический (между черепами можно гулять) и психологический опыт, который заставляет задуматься о фундаментальных аспектах человеческого бытия.
«Mass» знаменует поворотный момент в карьере Мьюека. Художник отходит от практики детального воспроизведения и концентрируется на формах. Новый подход расширяет тематику творчества и позволяет исследовать образы в напряжении и динамике. Одним из первых экспериментов в новом стиле становится инсталляция «En Garde», состоящая из группы разъяренных собак. Скульптура символизирует неопределенность настоящего и будущего.
ART FLASH
Эль Анацуи и его искусство из отходов #insideart
Анацуи родился в Гане в 1944 году, но провёл большую часть своей жизни в Нигерии.
Художник известен своими металлическими скульптурами из переработанных крышек от бутылок и банок, добытых в местных пунктах переработки, и скреплённых между собой медной проволокой. Массивные каскадные предметы искусства несут в себе местные эстетические традиции, национальную идентичность западной Африки и привлекают внимание к экологической проблеме потребления.
Помимо работ с крышками, которые художник создаёт с конца 1990-х годов, Анацуи разрабатывает высокоэкспериментальный подход к скульптуре: в своей практике он использует дерево, керамику и найденное вторсырьё.
В 2015 году Эль Анацуи получил Золотого Льва на 56-й Венецианской биеннале. Работы художника находятся в коллекциях центра Помпиду, Музея Метрополитена и Британского музея в Лондоне.
Источник: сайт художника
ART FLASH
Анацуи родился в Гане в 1944 году, но провёл большую часть своей жизни в Нигерии.
Художник известен своими металлическими скульптурами из переработанных крышек от бутылок и банок, добытых в местных пунктах переработки, и скреплённых между собой медной проволокой. Массивные каскадные предметы искусства несут в себе местные эстетические традиции, национальную идентичность западной Африки и привлекают внимание к экологической проблеме потребления.
Помимо работ с крышками, которые художник создаёт с конца 1990-х годов, Анацуи разрабатывает высокоэкспериментальный подход к скульптуре: в своей практике он использует дерево, керамику и найденное вторсырьё.
В 2015 году Эль Анацуи получил Золотого Льва на 56-й Венецианской биеннале. Работы художника находятся в коллекциях центра Помпиду, Музея Метрополитена и Британского музея в Лондоне.
Источник: сайт художника
ART FLASH
Масштабная текстильная инсталляция с аутентичной одеждой Ганы #insideart
Поверхность фасада бруталистского Центра искусств Барбикан стала местом размещения инсталляции «Purple Hibiscus». Проект назван в честь одноименной книги писательницы Чимаманды Нгози Адичи о постколониальной Африке. Инсталляция является частью масштабной выставки Центра «Unravel: The Power & Politics of Textiles in Art». 50 международных художников рассказывают о значении тканей в культурном и политическом контексте.
Автор работы «Purple Hibiscus» Ибрагим Махама в течение нескольких лет собирал традиционную мужскую одежду «батакари» у жителей Северной Ганы. «Батакари» первоначально носили короли, а позже он стал частью идентичности народа Западной Африки. Жители Ганы придают особенное значение тому, что они носят. Существует поверье о том, что душа семьи перемешается в «батакари», и его передают из поколения в поколение как реликвию. Поэтому Ибрагиму было непросто уговорить владельцев отдать ценную вещь. Кроме того, мужчины вешали амулеты, благодаря которым «батакари» защищали их от пуль колониальных солдат.
В создании приняли участие мастера по шитью из города Тамале, работа проходила на территории стадиона. Более ста аутентичных предметов пришили вручную на текстильное панно площадью 2000 м². В своем проекте Ибрагим размышляет о жизненных циклах ткани, знаниях и историях, которые текстиль, попадая в руки следующих поколений, приносит с собой.
Источник: официальный сайт Барбикан
ART FLASH
Поверхность фасада бруталистского Центра искусств Барбикан стала местом размещения инсталляции «Purple Hibiscus». Проект назван в честь одноименной книги писательницы Чимаманды Нгози Адичи о постколониальной Африке. Инсталляция является частью масштабной выставки Центра «Unravel: The Power & Politics of Textiles in Art». 50 международных художников рассказывают о значении тканей в культурном и политическом контексте.
Автор работы «Purple Hibiscus» Ибрагим Махама в течение нескольких лет собирал традиционную мужскую одежду «батакари» у жителей Северной Ганы. «Батакари» первоначально носили короли, а позже он стал частью идентичности народа Западной Африки. Жители Ганы придают особенное значение тому, что они носят. Существует поверье о том, что душа семьи перемешается в «батакари», и его передают из поколения в поколение как реликвию. Поэтому Ибрагиму было непросто уговорить владельцев отдать ценную вещь. Кроме того, мужчины вешали амулеты, благодаря которым «батакари» защищали их от пуль колониальных солдат.
В создании приняли участие мастера по шитью из города Тамале, работа проходила на территории стадиона. Более ста аутентичных предметов пришили вручную на текстильное панно площадью 2000 м². В своем проекте Ибрагим размышляет о жизненных циклах ткани, знаниях и историях, которые текстиль, попадая в руки следующих поколений, приносит с собой.
Источник: официальный сайт Барбикан
ART FLASH
«Левиафан» Аниша Капура на Monumenta 2011-го года #insideart
Огромная надувная скульптура сделана из куска полиэфирной мембраны, сваренной прямо на месте экспонирования — в Большом Дворце. Это сооружение построили специально для парижской Всемирной выставки 1900-го года. В этом пространстве представляли все технические и промышленные достижения страны.
«Левиафан» так же грандиозен, как и Дворец: скульптура, похожая на дирижабль, занимает все пространство зала. Посетители могли зайти и представить себя внутри организма 38-метрового чудища. Темно-фиолетовая кожа из ПВХ просвечивала солнечные лучи, проходящие сквозь стеклянные своды Дворца. Этот теневой рисунок был похож на сосуды. Тень изменялась вслед за движением солнца — благодаря внешним изменениям скульптура будто оживала.
Аниш хотел, чтобы зрители испытали шок от масштаба, а также поразились пугающе натуралистичным внешним видом «Левиафана». Потребовалось несколько дней, чтобы установить скульптуру. Толщина мембраны была подобрана так, чтобы проникнувший свет умеренно распределялся внутри, сохраняя ощущение густого красного полумрака.
Скульптор посвятил работу художнику Аю Вэйвэю. Этой выставкой Аниш Капур призвал музеи временно приостановить работу в знак протеста против задержания и политического преследования Вэйвэя.
Источник: сайт Metalocus
ART FLASH
Огромная надувная скульптура сделана из куска полиэфирной мембраны, сваренной прямо на месте экспонирования — в Большом Дворце. Это сооружение построили специально для парижской Всемирной выставки 1900-го года. В этом пространстве представляли все технические и промышленные достижения страны.
«Левиафан» так же грандиозен, как и Дворец: скульптура, похожая на дирижабль, занимает все пространство зала. Посетители могли зайти и представить себя внутри организма 38-метрового чудища. Темно-фиолетовая кожа из ПВХ просвечивала солнечные лучи, проходящие сквозь стеклянные своды Дворца. Этот теневой рисунок был похож на сосуды. Тень изменялась вслед за движением солнца — благодаря внешним изменениям скульптура будто оживала.
Аниш хотел, чтобы зрители испытали шок от масштаба, а также поразились пугающе натуралистичным внешним видом «Левиафана». Потребовалось несколько дней, чтобы установить скульптуру. Толщина мембраны была подобрана так, чтобы проникнувший свет умеренно распределялся внутри, сохраняя ощущение густого красного полумрака.
Скульптор посвятил работу художнику Аю Вэйвэю. Этой выставкой Аниш Капур призвал музеи временно приостановить работу в знак протеста против задержания и политического преследования Вэйвэя.
Источник: сайт Metalocus
ART FLASH
5 цветных колец — неизменные атрибуты Олимпиады #insideart
Этот символ разработал и предложил историк и общественный деятель Пьер де Кубертен, который в конце XIX-го века стремился возродить интерес к спорту. Пять одинаковых по размеру колец закрепили за собой идеи единства и равенства всех континентов: красный — Америка, черный — Африка, синий — Европа, желтый — Азия и, как представил француз де Кубертен, зеленый — Австралия.
Более ста лет прошло с первого публичного появления этого символа. Художники используют образ колец в работах для повествования разных историй и смыслов. Одни критикуют международные игры из-за присутствия политики и дискриминации, несмотря на первоначальную миссию единства и равенства спортсменов, другие по-прежнему транслируют идеи культуры и силы спорта. Тем не менее олимпийские кольца являются примером графического дизайна, точно отражающего смысл. Они также стали ярким символом поп-культуры, который авторы разных поколений по-своему цитируют и интерпретируют.
📌 В преддверии Игр в Париже, которые начнутся 26-го июля, предлагаем посмотреть на примеры того, как менялось содержание произведений искусства с неизменными атрибутами Олимпиады за век их существования.
1972: «Олимпийская радуга», Отто Пине как символ надежды после теракта
1985: «Olympic Rings», Энди Уорхол и Жан-Мишель Баския как дань уважения афро-американским спортсменам
2012: «LOndOn 2012», Рэйчел Уайтред как мотив совместного времяпровождения и праздника
ART FLASH
Этот символ разработал и предложил историк и общественный деятель Пьер де Кубертен, который в конце XIX-го века стремился возродить интерес к спорту. Пять одинаковых по размеру колец закрепили за собой идеи единства и равенства всех континентов: красный — Америка, черный — Африка, синий — Европа, желтый — Азия и, как представил француз де Кубертен, зеленый — Австралия.
Более ста лет прошло с первого публичного появления этого символа. Художники используют образ колец в работах для повествования разных историй и смыслов. Одни критикуют международные игры из-за присутствия политики и дискриминации, несмотря на первоначальную миссию единства и равенства спортсменов, другие по-прежнему транслируют идеи культуры и силы спорта. Тем не менее олимпийские кольца являются примером графического дизайна, точно отражающего смысл. Они также стали ярким символом поп-культуры, который авторы разных поколений по-своему цитируют и интерпретируют.
1972: «Олимпийская радуга», Отто Пине как символ надежды после теракта
1985: «Olympic Rings», Энди Уорхол и Жан-Мишель Баския как дань уважения афро-американским спортсменам
2012: «LOndOn 2012», Рэйчел Уайтред как мотив совместного времяпровождения и праздника
ART FLASH
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Галерейное столпотворение: как скульптуры Энтони Гормли перекрыли движение на выставках #insideart
Энтони Гормли — художник с тремя учёными степенями: по антропологиии, археологии и истории искусств. С помощью примитивных методов он погружает зрителя в размышления о множественности жизней. Давайте разбираться, как именно.
Шаг 1.
В скульптурной инсталляции британского художника «Поле для Британских островов» на зрителя смотрят тысячи слепленных вручную и обожжённых в печи человечков.
⤵️
Идея человека, слепленного из земли, появляется в мифологии многих народов мира, в том числе и в самой распространенной религии Европы: христианстве.
Шаг 2.
Версий у работы существует несколько, и каждую из них создавали разные люди. Это могли быть студенты Швеции или члены семей каменщиков. В каждом подобном случае мини-скульптуры создавались по инструкции художника.
⤵️
Наше ощущение человека, как создателя и творца усиливается. Не только художник, но и другие люди в этой работе примеряют на себя эту роль.
Шаг 3.
А что же зритель? Он крепче и больше. Несмотря на это, нас сковывает ряд ограничений: мы не можем зайти в пространство инсталляции или уничтожить маленькие творения. Мы вынуждены смотреть на то, как фигурки смотрят на нас, не отрываясь. К тому же масштаб этой работы, пожалуй, меняет расстановку сил, и в уязвимом положении находится теперь зритель.
⤵️
Кто здесь объект наблюдения? И кто здесь творец: мы, так же слепленные по чьему-то образу и подобию? Может, мы, как и эти фигурки, живём в иллюзии того, что обладаем своей волей?
Вопрос, как всегда, остаётся открытым.
ART FLASH
Энтони Гормли — художник с тремя учёными степенями: по антропологиии, археологии и истории искусств. С помощью примитивных методов он погружает зрителя в размышления о множественности жизней. Давайте разбираться, как именно.
Шаг 1.
В скульптурной инсталляции британского художника «Поле для Британских островов» на зрителя смотрят тысячи слепленных вручную и обожжённых в печи человечков.
Идея человека, слепленного из земли, появляется в мифологии многих народов мира, в том числе и в самой распространенной религии Европы: христианстве.
Шаг 2.
Версий у работы существует несколько, и каждую из них создавали разные люди. Это могли быть студенты Швеции или члены семей каменщиков. В каждом подобном случае мини-скульптуры создавались по инструкции художника.
Наше ощущение человека, как создателя и творца усиливается. Не только художник, но и другие люди в этой работе примеряют на себя эту роль.
Шаг 3.
А что же зритель? Он крепче и больше. Несмотря на это, нас сковывает ряд ограничений: мы не можем зайти в пространство инсталляции или уничтожить маленькие творения. Мы вынуждены смотреть на то, как фигурки смотрят на нас, не отрываясь. К тому же масштаб этой работы, пожалуй, меняет расстановку сил, и в уязвимом положении находится теперь зритель.
Кто здесь объект наблюдения? И кто здесь творец: мы, так же слепленные по чьему-то образу и подобию? Может, мы, как и эти фигурки, живём в иллюзии того, что обладаем своей волей?
Вопрос, как всегда, остаётся открытым.
ART FLASH
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Зеркальные скульптуры и парящие кинетические инсталляции: выставка Франциско и Платона Инфанте #insideart
В пространстве «ГЭС-2» проходит выставка трехмерных инсталляций Франциско Инфанте-Араны и его сына Платона Инфанте. Старший из художников воссоздает свои работы, специально увеличивая их в несколько раз, чтобы достичь соразмерности между арт-объектами и огромным выставочным пространством Дома культуры.
Первая из серии работа «Квадрат» встречает посетителей прямо при входе в здание. Впервые артефакт был создан в 1977 году, когда художник разрабатывал большой ленд-арт проект. Теперь же работа является частью архитектуры. Франциско обтягивает квадратные секторы металлизированной пленкой, создающей эффект отражения. При создании работ художник вдохновлялся идеями суприматистов, поэтому многие его объекты имеют строгую геометрию.
Идеи русского авангарда вместе с современными инженерными и архитектурными решениями воплощены и в работе «Модель пространства — движения — бесконечности». Вращающиеся кубические конструкции пересекаются, создавая множество фигур и построений. Художник создает кинетические зеркальные инсталляции, которые находясь в постоянном ритмичном движении, ловят отражение течения человеческой жизни в окружающем пространстве.
Рассмотреть и узнать подробности о других работах можно в пространстве «ГЭС-2» до 12 января 2025 года.
ART FLASH
В пространстве «ГЭС-2» проходит выставка трехмерных инсталляций Франциско Инфанте-Араны и его сына Платона Инфанте. Старший из художников воссоздает свои работы, специально увеличивая их в несколько раз, чтобы достичь соразмерности между арт-объектами и огромным выставочным пространством Дома культуры.
Первая из серии работа «Квадрат» встречает посетителей прямо при входе в здание. Впервые артефакт был создан в 1977 году, когда художник разрабатывал большой ленд-арт проект. Теперь же работа является частью архитектуры. Франциско обтягивает квадратные секторы металлизированной пленкой, создающей эффект отражения. При создании работ художник вдохновлялся идеями суприматистов, поэтому многие его объекты имеют строгую геометрию.
Идеи русского авангарда вместе с современными инженерными и архитектурными решениями воплощены и в работе «Модель пространства — движения — бесконечности». Вращающиеся кубические конструкции пересекаются, создавая множество фигур и построений. Художник создает кинетические зеркальные инсталляции, которые находясь в постоянном ритмичном движении, ловят отражение течения человеческой жизни в окружающем пространстве.
Рассмотреть и узнать подробности о других работах можно в пространстве «ГЭС-2» до 12 января 2025 года.
ART FLASH